竹中美幸 個展：陰と陽と

フィルムとは不可解な物質である。われわれのようなフィルムの装填、映写を親しんできた世代は、その不可解さに触れてきた。映像が手に取ることが出来、また音声までがそこに記録されて再生されるメディアなのに、ベースにエマルジョン（乳剤）がのっている透明にしてツルツルした面のみがあり、ほとんど物質感は希薄。しかしブラックボックス化した磁気テープやさらに不明なデジタルメディアにはそんな手に取って見え、アナログに加工しうる可能性などあるはずも無い、非物質的な物質性なのだ。そのようなフィルムを現代の竹中が素材にしていることを私は様々な展観で注視してきた。かつては水彩のようなまさしく光彩的な絵画を制作していた作家は、近年ではますますフィルムを素材としたインスタレーション化に進んでいる。
　そのような竹中にフィルムというものが現代の作家にとってはどのようなリアリティを持っているのかを聞いてみたいと思っていた。聞くところによると、かつては現像所での作業のバイトを見つけて働いていたという（現在でもこの日本でのほぼ唯一の現像所に作品を発注しているらしい）。作家がどのような映像経験を持っているのか、私はあえて聞いてはいない。ただその作品にシネフィル的なマニアックな映画への愛も、アウラもあまり感じられない。そこにはフィルムへの物質愛があったとしても、変換しうるひとつの距離感をもって再解釈が遂げられているのである。少なくともフィルムを旧メディアの代表のように扱い、回顧的な視線で見せるノスタルジックな匂いは皆無なのだ。そこにかつての銀幕に棲んだ人影は決して見えてはこない。
　今回はコロナ禍で閉店した店舗等（しかしそれは決して作家の思い入れのある店ではないという）の家具・食器などを撮った画像やそれらの影が焼き付けられたフィルムがわれわれを囲いその向こうにガラス越しの街が見えるインスタレーションになるという。フィルム、ガラス面、動く実体という文字通りのレイヤーとしてのリアリティだ。しかし、それだけで鑑賞は済まないのではあるまいか。正確にその像を伝えるのは焦点が合った時に限られ、フィルム自体もひとえに色の無限の変幻となり、そのかたちは影像としてわれわれを照らし返し、または不可視の場にも連れ込むのではないだろうか。実に映像の本来的素材とはフィルムではなく、光と影なのだ。光が透過する中＜在、不在＞の領域にわれわれは宙吊りになる。その時に、実際の光景が横切る時、その光景はわれわれにどのようなものとして見えてくるのか。
　竹中はかつての現像経験に基づくそのフィルムの本質のみを抽出しているように見える。カブリと呼ばれる通常でのミス画像、フィルムに直接感光させて物の影を残し、消えていく現象。様々な光によって流れ浮き出るまさしく光彩は、もののはじめから透過的であり、世界に開かれているのだ。その不可解さを手放すことなく、世界に参入させていくことで、どのような揺らぎが創出するのか、タブローから巣立ったひかりはどのように解き放たれていくのかを私は想像している。

竹中美幸は初期では余白をいかした柔らかな色彩で描く種子のシリーズを描いていた。その後竹中の主軸をなすようになった樹脂の作品は、雫型の樹脂を数枚のアクリル板にたらした層アクリル板にたらしたもので、光を反射しその影を落とす。水彩絵の具で描かれた繊細なにじみとともに影が映りこみ、作品外部にある光の条件を取り込んで、様々な表情をなげかけてくる。竹中の作品は一貫してその作家性を主張しながらも空間に柔らかくとけこみ、パブリックスペース、住宅を問わず幅広い場に調和し、新たな空間を創出する。2013年にはフイルムに恣意的に光を露光することで色を与え、それを複数の層として重ねることで見えないはずの光、あるいは光によって初めて見えるようになるはずの何かをフイルムという物体を通して可視化する作品も発表した。